Bildende Kunst

Surrealismus – Die Bewegung und Künstler, die sich der Logik widersetzten

Der Surrealismus trotzt der Logik. Träume und die Funktionsweise des Unterbewusstseins inspirieren surrealistische Kunst (französisch für „Superrealismus“), gefüllt mit seltsamen Bildern und bizarren Gegenüberstellungen.

Kreative Denker haben immer mit der Wirklichkeit gespielt, aber in den frühen 20 – ten Jahrhunderts Surrealismus entstand als eine philosophische und kulturelle Bewegung. Angetrieben von den Lehren Freuds und der rebellischen Arbeit von Dada-Künstlern und Dichtern förderten Surrealisten wie Salvador Dalí, René Magritte und Max Ernst die freie Assoziation und Traumbilder. Bildende Künstler, Dichter, Dramatiker, Komponisten und Filmemacher suchten nach Wegen, die Psyche zu befreien und verborgene Reservoirs der Kreativität zu erschließen.

Merkmale der surrealistischen Kunst

  • Traumhafte Szenen und symbolische Bilder
  • Unerwartete, unlogische Gegenüberstellungen
  • Bizarre Assemblagen gewöhnlicher Objekte
  • Automatismus und ein Geist der Spontanität
  • Spiele und Techniken, um zufällige Effekte zu erzeugen
  • Persönliche Ikonographie
  • Visuelle Wortspiele
  • Verzerrte Figuren und biomorphe Formen
  • Hemmungslose Sexualität und Tabuthemen
  • Primitive oder kindliche Designs

 

Wie der Surrealismus zu einer kulturellen Bewegung wurde

Kunst aus der fernen Vergangenheit kann dem modernen Auge surreal erscheinen. Drachen und Dämonen bevölkern alte Fresken und mittelalterliche Triptychen. Der italienische Renaissance-Maler Giuseppe Arcimboldo  (1527–1593) verwendete Trompe l’oeil-Effekte („täuschen das Auge“), um menschliche Gesichter aus Früchten, Blumen, Insekten oder Fischen darzustellen. Der niederländische Künstler Hieronymus Bosch  (ca. 1450–1516) verwandelte Scheunentiere und Haushaltsgegenstände in schreckliche Monster.

Hat Salvador Dalí seinen seltsamen Felsen nach einem Bild von Hieronymus Bosch modelliert? Links: Detail aus dem Garten der irdischen Freuden, 1503–1504, von Hieronymus Bosch. Rechts: Detail aus The Great Masturbator, 1929, von Salvador Dalí. Bildnachweis: Leemage / Corbis und Bertrand Rindoff Petroff über Getty Images

Surrealisten des 20. Jahrhunderts lobten „Der Garten der irdischen Freuden“ und nannten Bosch ihren Vorgänger. Der surrealistische Künstler Salvador Dalí (1904–1989) hat möglicherweise Bosch nachgeahmt, als er die seltsame, gesichtsförmige Felsformation in seinem schockierend erotischen Meisterwerk „The Great Masturbator“ malte. Die gruseligen Bilder, die Bosch gemalt hat, sind jedoch im modernen Sinne nicht surrealistisch. Es ist wahrscheinlich, dass Bosch darauf abzielte, biblischen Unterricht zu erteilen, anstatt dunkle Ecken seiner Psyche zu erkunden.

In ähnlicher Weise sind die wunderbar komplexen und ausgeflippten Porträts von Giuseppe Arcimboldo (1526–1593) visuelle Rätsel, die das Unbewusste eher amüsieren als untersuchen sollen. Obwohl sie surreal aussehen, spiegeln Gemälde früher Künstler bewusste Gedanken und Konventionen ihrer Zeit wider.

Im Gegensatz dazu rebellierten Surrealisten des 20. Jahrhunderts gegen Konventionen, Moralkodizes und die Hemmungen des Bewusstseins. Die Bewegung entstand aus Dada. einer avantgardistischen Herangehensweise an Kunst, die das Establishment verspottete. Marxistische Ideen lösten eine Verachtung für die kapitalistische Gesellschaft und einen Durst nach sozialer Rebellion aus. Die Schriften von Sigmund Freud deuteten darauf hin, dass höhere Formen der Wahrheit im Unterbewusstsein zu finden sind. Darüber hinaus weckte das Chaos und die Tragödie des Ersten Weltkriegs den Wunsch, von der Tradition abzubrechen und neue Ausdrucksformen zu erforschen.

Der französische Schriftsteller und Kritiker Guillaume Apollinaire (1880–1918) verwendete 1917 den Begriff „ surréalisme“ , um Parade. ein Avantgarde-Ballett mit Musik von Erik Satie, Kostümen und Bühnenbildern von Pablo Picasso sowie Geschichte und Choreografie anderer führender Künstler zu beschreiben . Rivalisierende Fraktionen junger Pariser nahmen den Surréalismus an und diskutierten heiß über die Bedeutung des Begriffs. Die Bewegung wurde 1924 offiziell ins Leben gerufen, als der Dichter André Breton (1896–1966) das erste Manifest des Surrealismus veröffentlichte .

 

Werkzeuge und Techniken surrealistischer Künstler

Frühe Anhänger der Surrealismus-Bewegung waren Revolutionäre, die menschliche Kreativität entfesseln wollten. Breton eröffnete ein Büro für surrealistische Forschung, in dem Mitglieder Interviews führten und ein Archiv soziologischer Studien und Traumbilder zusammenstellten. Zwischen 1924 und 1929 veröffentlichten sie zwölf Ausgaben von La Révolutionsur réaliste. einer Zeitschrift mit militanten Abhandlungen, Selbstmord- und Kriminalberichten und Erkundungen des kreativen Prozesses.

Der Surrealismus war zunächst hauptsächlich eine literarische Bewegung. Louis Aragon (1897–1982), Paul Éluard (1895–1952) und andere Dichter experimentierten mit automatischem Schreiben oder Automatismus, um ihre Vorstellungskraft zu befreien. Surrealistische Schriftsteller fanden auch Ins
piration in Cut-up, Collage und anderen Arten gefundener Poesie .

Bildende Künstler der Surrealismus-Bewegung verließen sich auf Zeichenspiele und eine Vielzahl experimenteller Techniken, um den kreativen Prozess zufällig zu bestimmen. Bei einer als Decalcomania bekannten Methode haben Künstler beispielsweise Farbe auf Papier gespritzt und dann die Oberfläche gerieben, um Muster zu erstellen. In ähnlicher Weise bestand der Bulletismus darin  , Tinte auf eine Oberfläche zu schießen, und bei der Reinigung wurde Flüssigkeit auf eine lackierte Oberfläche gespritzt , die dann abgewischt wurde. Seltsame und oft humorvolle Zusammenstellungen gefundener Objekte wurden zu einer beliebten Methode, um Gegenüberstellungen zu erstellen, die Vorurteile in Frage stellten.

André Breton, ein frommer Marxist, glaubte, dass Kunst aus einem kollektiven Geist entspringt. Surrealistische Künstler arbeiteten oft zusammen an Projekten. In der Oktoberausgabe 1927 von La Révolution surréaliste wurden Werke aus einer gemeinsamen Aktivität namens Cadavre Exquis oder Exquisite Corpse vorgestellt. Die Teilnehmer schrieben oder zeichneten abwechselnd auf ein Blatt Papier. Da niemand wusste, was bereits auf der Seite vorhanden war, war das Endergebnis eine überraschende und absurde Zusammenstellung.

 

Surrealistische Kunststile

Bildende Künstler der Surrealismus-Bewegung waren eine vielfältige Gruppe. Frühe Werke europäischer Surrealisten folgten oft der Dada-Tradition, vertraute Objekte in satirische und unsinnige Kunstwerke zu verwandeln. Als sich die Surrealismus-Bewegung weiterentwickelte, entwickelten Künstler neue Systeme und Techniken zur Erforschung der irrationalen Welt des Unterbewusstseins. Es zeigten sich zwei Trends: Biomorph (oder abstrakt) und Figurativ.

Giorgio de Chirico. Aus der Metaphysical Town Square Series, ca. 1912. Öl auf Leinwand. Dea / M. Carrieri über Getty Images

Figurative Surrealisten produzierten erkennbare gegenständliche Kunst. Viele der figurativen Surrealisten wurden stark von Giorgio de Chirico (1888–1978) beeinflusst, einem italienischen Maler, der die  Metafisica oder Metaphysical-Bewegung gründete. Sie lobten die traumhafte Qualität der verlassenen Stadtplätze von de Chirico mit Reihen von Bögen, entfernten Zügen und gespenstischen Gestalten. Wie de Chirico verwendeten figurative Surrealisten Techniken des Realismus, um überraschende, halluzinatorische Szenen zu rendern.

Biomorphe (abstrakte) Surrealisten wollten sich völlig von der Konvention befreien. Sie erkundeten neue Medien und schufen abstrakte Werke, die aus undefinierten, oft nicht wiedererkennbaren Formen und Symbolen bestehen. Surrealismus-Exponate, die in den 1920er und frühen 1930er Jahren in Europa ausgestellt wurden, zeigten sowohl figurative als auch biomorphe Stile sowie Werke, die als dadaistisch eingestuft werden könnten.

 

Große surrealistische Künstler in Europa

Jean Arp: Der  in Straßburg geborene Jean Arp (1886–1966) war ein Dada-Pionier, der Gedichte schrieb und mit verschiedenen visuellen Medien wie zerrissenem Papier und Reliefkonstruktionen aus Holz experimentierte. Sein Interesse an organischen Formen und spontanem Ausdruck stimmte mit der surrealistischen Philosophie überein. Arp stellte mit surrealistischen Künstlern in Paris aus und wurde am bekanntesten für fließende, biomorphe Skulpturen wieTête et coquille“ (Kopf und Muschel). In den 1930er Jahren wechselte Arp zu einem nicht verschreibungspflichtigen Stil, den er Abstraction-Création nannte.

Salvador Dalí: Der  spanisch-katalanische Künstler Salvador Dalí (1904–1989) wurde Ende der 1920er Jahre von der Surrealismus-Bewegung angenommen und 1934 ausgewiesen. Dennoch erlangte Dalí internationalen Ruhm als Innovator, der den Geist des Surrealismus in seiner Kunst verkörperte und in seinem extravaganten und respektlosen Verhalten. Dalí führte weit verbreitete Traumexperimente durch, bei denen er sich im Bett oder in der Badewanne zurücklehnte, während er seine Visionen skizzierte. Er behauptete, dass die schmelzenden Uhren in seinem berühmten Gemälde “ The Persistence of Memory. von selbstinduzierten Halluzinationen stammten.

Paul Delvaux:  Inspiriert von den Werken von Giorgio de Chirico wurde der belgische Künstler Paul Delvaux (1897–1994) mit dem Surrealismus in Verbindung gebracht, als er illusionäre Szenen von halbnackten Frauen malte, die durch klassische Ruinen schliefen. In „ L’aurore“ (Der Tagesanbruch) zum Beispiel stehen Frauen mit baumartigen Beinen verwurzelt da, während sich mysteriöse Gestalten unter fernen Bögen bewegen, die mit Weinreben bewachsen sind.

Max Ernst:  Max Ernst (1891–1976), ein deutscher Künstler vieler Genres, stieg aus der Dada-Bewegung auf und wurde einer der frühesten und leidenschaftlichsten Surrealisten. Er experimentierte mit automatischem Zeichnen, Collagen, Ausschnitten, Frottage (Bleistiftabrieb) und anderen Techniken, um unerwartete Nebeneinanderstellungen und visuelle Wortspiele zu erzielen. Sein Gemälde „ Celebes. von1921 zeigteine kopflose Frau mit einem Tier, das teils Maschine, teils Elefant ist. Der Titel des Gemäldes stammt aus einem deutschen Kinderreim.

Alberto Giacometti: Skulpturen des in der Schweiz geborenen Surrealisten Alberto Giacometti (1901–1966) sehen aus wie Spielzeug oder primitive Artefakte, verweisen jedoch verstörend auf Trauma und sexuelle Obsessionen. „ Femme égorgée“ (Frau mit dem Halsschnitt) verzerrt anatomische Teile, um eine Form zu schaffen, die sowohl schrecklich als auch verspielt ist. Giacometti verließ den Surrealismus Ende der 1930er Jahre und wurde bekannt für figurative Darstellungen länglicher menschlicher Formen.

Paul Klee. Musik auf der Messe, 1924-26. De Agostini / G. Dagli Orti über Getty Images

Paul Klee: Der deutsch-schweizerische Künstler Paul Klee (1879–1940) stammte aus einer musikalischen Familie und füllte seine Bilder mit einer persönlichen Ikonographie aus Noten und spielerischen Symbolen. Seine Arbeit ist eng mit dem Expressionismus und dem Bauhaus verbunden. Mitglieder der Surrealismus-Bewegung bewunderten jedoch Klees Verwendung automatischer Zeichnungen, um ungehemmte Gemälde wie Musik auf der Messe zu erzeugen , und Klee wurde in surrealistische Ausstellungen aufgenommen.

René Magritte. Der bedrohte Attentäter, 1927. Öl auf Leinwand. 150,4 x 195,2 cm (59,2 × 76,9 Zoll). Colin McPherson über Getty Images

René Magritte: Die Surrealismus-Bewegung war bereits in vollem Gange, als der belgische Künstler René Magritte (1898–1967) nach Paris zog und sich den Gründern anschloss. Bekannt wurde er durch realistische Darstellungen halluzinatorischer Szenen, störende Gegenüberstellungen und visuelle Wortspiele. „The Menaced Assassin“ zum Beispiel versetzt ruhige Männer in Anzügen und Melone inmitten eines grausamen Tatorts.

André Masson: André Masson (1896–1987) wurde im Ersten Weltkrieg verletzt und traumatisiert und war ein früher Anhänger der Surrealismus-Bewegung und ein begeisterter Befürworter des  automatischen Zeichnens. Er experimentierte mit Drogen, ließ den Schlaf aus und lehnte Essen ab, um seine bewusste Kontrolle über die Bewegungen seines Stifts zu schwächen. Auf der Suche nach Spontanität warf Masson auch Leim und Sand auf Leinwände und malte die Formen, die sich bildeten. Obwohl Masson schließlich zu traditionelleren Stilen zurückkehrte, führten seine Experimente zu neuen, ausdrucksstarken Ansätzen für die Kunst.

Joan Miró. Femme et oiseaux (Frau und Vögel), 1940, Nr. 8 aus Mirós Constellations-Reihe. Ölwäsche und Gouache auf Papier. 38 x 46 cm. Bildnachweis: Tristan Fewings über Getty Images

Joan Miró: Der Maler, Grafiker, Collagenkünstler und Bildhauer Joan Miró (1893–1983) schuf farbenfrohe, biomorphe Formen, die aus der Fantasie zu sprudeln schienen. Miró verwendete Kritzeleien und automatisches Zeichnen, um seine Kreativität zu wecken, aber seine Werke wurden sorgfältig komponiert. Er stellte mit der surrealistischen Gruppe aus und viele seiner Werke zeigen den Einfluss der Bewegung. „Femme et oiseaux“ (Frau und Vögel) aus Mirós Constellations-Reihe suggeriert eine persönliche Ikonographie, die sowohl erkennbar als auch seltsam ist.

Meret Oppenheim: Unter den vielen Werken von Méret Elisabeth Oppenheim (1913–1985) befanden sich Assemblagen, die so empörend waren, dass die europäischen Surrealisten sie in ihrer rein männlichen Gemeinschaft willkommen hießen. Oppenheim wuchs in einer Familie von Schweizer Psychoanalytikern auf und folgte den Lehren von Carl Jung. Ihr berüchtigtes „Objekt im Pelz“ (auch bekannt als „Mittagessen im Pelz“) verschmolz ein Tier (das Fell) mit einem Symbol der Zivilisation (einer Teetasse). Der beunruhigende Hybrid wurde als Inbegriff des Surrealismus bekannt.

Pablo Picasso: Als die Surrealismus-Bewegung ins Leben gerufen wurde, wurde der spanische Künstler Pablo Picasso (1881–1973) bereits als Urvater des Kubismus gelobt. Picassos kubistische Gemälde und Skulpturen stammten nicht aus Träumen und er ging nur an den Rändern der Surrealismus-Bewegung vorbei. Trotzdem drückte seine Arbeit eine Spontaneität aus, die mit der surrealistischen Ideologie übereinstimmte. Picasso stellte mit surrealistischen Künstlern aus und ließ Werke in La Révolution surréaliste reproduzieren  . Sein Interesse an Ikonographie und primitiven Formen führte zu einer Reihe zunehmend surrealistischer Gemälde. Zum Beispiel platziert „ On the Beach. (1937) verzerrte menschli
che Formen in einer traumhaften Umgebung. Picasso schrieb auch surrealistische Gedichte, die aus fragmentierten Bildern bestehen, die durch Striche getrennt sind. Hier ist ein Auszug aus einem Gedicht, das Picasso im November 1935 schrieb:

Wenn der Stier mit seinem Horn das Tor zum Bauch des Pferdes öffnet und seine Schnauze bis zum Rand ausstreckt, lauschen Sie im tiefsten aller tiefsten Griffe – und mit den Augen von Saint Lucy – den Geräuschen bewegter Lieferwagen – dicht gepackt mit Picadors auf Ponys – von einem schwarzen Pferd abgelegt

Man Ray. Rayograph, 1922. Silbergelatineabzug (Fotogramm). 22,5 x 17,3 cm (8,8 x 6,8 Zoll). Historisches Bildarchiv über Getty Images

Man Ray: Der in den USA geborene Emmanuel Radnitzky (1890–1976) war der Sohn eines Schneiders und einer Näherin. Die Familie nahm den Namen „Ray“ an, um ihre jüdische Identität in einer Zeit intensiven Antisemitismus zu verbergen. 1921 zog „Man Ray“ nach Paris, wo er in der Dada- und der surrealistischen Bewegung an Bedeutung gewann. Er arbeitete in verschiedenen Medien und erkundete mehrdeutige Identitäten und zufällige Ergebnisse. Seine Rayographien waren unheimliche Bilder, die durch direktes Platzieren von Objekten auf Fotopapier entstanden waren.

Man Ray. Unzerstörbares Objekt (oder zu zerstörendes Objekt), übergroße Reproduktion des Originals von 1923. Ausstellung im Prado Museum, Madrid. Atlantide Phototravel über Getty Images

Man Ray war auch für bizarre dreidimensionale Assemblagen wie „Object to Be Destroyed“ bekannt, bei denen ein Metronom einem Foto des Auges einer Frau gegenübergestellt wurde. Ironischerweise ging das ursprüngliche „Objekt, das zerstört werden soll“ während einer Ausstellung verloren.

Yves Tanguy: Noch in seiner Jugend, als das Wort Surréalisme  auftauchte, brachte sich der in Frankreich geborene Künstler Yves Tanguy (1900–1955) bei, die halluzinatorischen geologischen Formationen zu malen, die ihn zu einer Ikone der Surrealismus-Bewegung machten. Traumlandschaften wie „ Le soleil dans son écrin“ (Die Sonne in ihrem Juwelenetui) veranschaulichen Tanguys Faszination für Urformen. Realistisch gerendert, wurden viele von Tanguys Gemälden von seinen Reisen in Afrika und im amerikanischen Südwesten inspiriert.

 

Surrealisten in Amerika

Der Surrealismus als Kunststil überlebte die von André Breton gegründete Kulturbewegung bei weitem. Der leidenschaftliche Dichter und Rebell hat Mitglieder schnell aus der Gruppe ausgeschlossen, wenn sie seine linken Ansichten nicht teilten. 1930 veröffentlichte Breton ein „Zweites Manifest des Surrealismus“, in dem er gegen die Kräfte des Materialismus schimpfte und Künstler verurteilte, die sich nicht dem Kollektivismus verschrieben hatten. Surrealisten bildeten neue Allianzen. Als sich der Zweite Weltkrieg abzeichnete, gingen viele in die Vereinigten Staaten.

Die bekannte amerikanische Sammlerin Peggy Guggenheim (1898–1979) stellte Surrealisten aus, darunter Salvador Dalí, Yves Tanguy und ihren eigenen Ehemann Max Ernst. André Breton schrieb und förderte seine Ideale bis zu seinem Tod im Jahr 1966 weiter, aber bis dahin war das marxistische und freudianische Dogma aus der surrealistischen Kunst verschwunden. Ein Impuls zur Selbstdarstellung und Freiheit von den Zwängen der rationalen Welt führte Maler wie Willem de Kooning (1904–1997) und Arshile Gorky (1904–1948) zum Abstrakten Expressionismus .

Louise Bourgeois. Maman (Mutter), 1999. Edelstahl, Bronze und Marmor. 9271 x 8915 x 10236 mm (ungefähr 33 Fuß hoch). Zu sehen im von Frank Gehry entworfenen Guggenheim Museum in Bilbao, Spanien. Nick Ledger / Getty Images

In der Zwischenzeit haben mehrere führende Künstlerinnen den Surrealismus in den USA neu erfunden. Kay Sage (1898–1963) malte surreale Szenen großer architektonischer Strukturen. Dorothea Tanning (1910–2012) wurde für fotorealistische Gemälde surrealer Bilder ausgezeichnet. Die französisch-amerikanische Bildhauerin Louise Bourgeois (1911–2010) hat Archetypen und sexuelle Themen in höchst persönliche Werke und monumentale Skulpturen von Spinnen integriert.

Frida Kahlo. Selbstporträt als Tehuana (Diego on My Mind), 1943. (abgeschnittenes) Öl auf Masonite. Gelman-Sammlung, Mexiko-Stadt. Roberto Serra – Leguanpresse / Getty Images</spa n>

In Lateinamerika vermischte sich der Surrealismus mit kulturellen Symbolen, Primitivismus und Mythos. Die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo (1907–1954) bestritt, eine Surrealistin zu sein, und sagte der Zeitschrift Time : „Ich habe nie Träume gemalt. Ich habe meine eigene Realität gemalt.“ Dennoch besitzen Kahlos psychologische Selbstporträts die jenseitigen Merkmale der surrealistischen Kunst und der literarischen Bewegung des magischen Realismus .

Der brasilianische Maler Tarsila do Amaral (1886–1973) war Hebamme eines einzigartigen nationalen Stils, der sich aus biomorphen Formen, verzerrten menschlichen Körpern und kultureller Ikonographie zusammensetzte. Tarsila do Amarals Gemälde sind symbolträchtig und können lose als surrealistisch beschrieben werden. Die Träume, die sie ausdrücken, sind jedoch die einer ganzen Nation. Wie Kahlo entwickelte sie neben der europäischen Bewegung einen einzigartigen Stil.

Obwohl der Surrealismus nicht mehr als formale Bewegung existiert, erforschen zeitgenössische Künstler weiterhin Traumbilder, freie Assoziationen und die Möglichkeiten des Zufalls.

 

Quellen

 

  • Sooke, Alastair. „Die ultimative Vision der Hölle.“ Der Stand der Technik, BBC. 19. Februar 2016
  • Surrealismus-Zeit .“ Pablo Picasso.net 
  • Surrealistische Kunst. Centre Pompidou Bildungsdossiers. August 2007 

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