Bildende Kunst

Das Leben und die Kunst von Paul Klee

Paul Klee (1879-1940) war ein in der Schweiz geborener deutscher Künstler, der einer der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts war. Seine abstrakte Arbeit war vielfältig und konnte nicht kategorisiert werden, sondern wurde von Expressionismus, Surrealismus und Kubismus beeinflusst. Sein primitiver Zeichenstil und die Verwendung von Symbolen in seiner Kunst zeigten seinen Witz und seine kindliche Perspektive. Er schrieb auch viel über Farbtheorie und Kunst in Tagebüchern, Essays und Vorträgen. Seine in englischer Sprache als “ Paul Klee Notebooks “  veröffentlichte Vorlesungssammlung „Writings on Form and Design Theory  ist eine der wichtigsten Abhandlungen zur modernen Kunst.

Schnelle Fakten: Paul Klee

  • Geboren: 18. Dezember 1879 in Münchenbuchsee, Schweiz
  • Tod: 29. Juni 1940 in Muralto, Schweiz
  • Eltern: Hans Wilhelm Klee und Ida Marie Klee, geb. Frick
  • Beruf: Maler (Expressionismus, Surrealismus) und Pädagoge
  • Ausbildung : Akademie der bildenden Künste, München
  • Ehepartner: Lily Stumpf
  • Kinder: Felix Paul Klee
  • Die bekanntesten Werke: „Ad Parnassum“ (1932), „Twittering Machine“ (1922), „Fish Magic“ (1925), „Landscape With Yellow Birds“ (1923), „Viaducts Break Ranks“ (1937), „Cat and Bird „(1928),“ Insula Dulcamara „(1938), Castle and Sun (1928).
  • Bemerkenswertes Zitat: „Farbe besitzt mich. Ich muss sie nicht verfolgen. Sie wird mich immer besitzen, ich weiß es. Das ist die Bedeutung dieser Happy Hour: Farbe und ich sind eins. Ich bin Maler.“

 

Frühe Jahre

Klee wurde am 18. Dezember 1879 in Münchenbuchsee in der Schweiz als Sohn einer Schweizer Mutter und eines deutschen Vaters geboren, die beide versierte Musiker waren. Er wuchs in Bern auf, wo sein Vater als Dirigent des Berner Konzertorchesters versetzt worden war.

Klee war ein adäquater, aber nicht übermäßig begeisterter Schüler. Er interessierte sich besonders für sein Studium der griechischen Sprache und las sein ganzes Leben lang griechische Gedichte in der Originalsprache. Er war rund, aber seine Liebe zu Kunst und Musik war deutlich zu erkennen. Er zeichnete ständig – zehn Skizzenbücher sind aus seiner Kindheit erhalten – und spielte auch weiterhin Musik, auch als Extra im Stadtorchester Bern.

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Aufgrund seiner breiten Ausbildung hätte Klee jeden Beruf ausüben können, entschied sich jedoch dafür, Künstler zu werden, weil er, wie er in den 1920er Jahren sagte, „hinterherzuhinken schien und er das Gefühl hatte, dass er vielleicht helfen könnte, ihn voranzutreiben“. Er wurde ein sehr einflussreicher Maler, Zeichner, Grafiker und Kunstlehrer. Seine Liebe zur Musik hatte jedoch weiterhin einen lebenslangen Einfluss auf seine einzigartige und eigenwillige Kunst.

Klee ging 1898 nach München, um an der privaten Knirr Art School zu studieren. Er arbeitete mit Erwin Knirr zusammen, der sehr begeistert davon war, Klee als Schüler zu haben, und äußerte damals die Meinung, dass „wenn Klee durchhält, das Ergebnis außergewöhnlich sein könnte“. Klee studierte Zeichnen und Malen bei Knirr und anschließend bei Franz Stuck an der Münchner Akademie.

Im Juni 1901 reiste Klee nach dreijährigem Studium in München nach Italien, wo er die meiste Zeit in Rom verbrachte. Nach dieser Zeit kehrte er im Mai 1902 nach Bern zurück, um zu verdauen, was er auf seinen Reisen aufgenommen hatte. Er blieb dort bis zu seiner Heirat im Jahr 1906. Während dieser Zeit produzierte er eine Reihe von Radierungen, die einige Aufmerksamkeit erregten.

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Familie und Karriere

Während der drei Jahre, die Klee in München studierte, lernte er die Pianistin Lily Stumpf kennen, die später seine Frau werden sollte. 1906 kehrte Klee nach München zurück, einem damaligen Kunst- und Künstlerzentrum, um seine Karriere als Künstler voranzutreiben und Stumpf zu heiraten, der dort bereits eine aktive Karriere hatte. Sie hatten ein Jahr später einen Sohn namens Felix Paul.

In den ersten fünf Jahren ihrer Ehe blieb Klee zu Hause und kümmerte sich um das Kind und das Zuhause, während Stumpf weiter unterrichtete und auftrat. Klee machte sowohl Grafik als auch Malerei, kämpfte jedoch mit beiden, da die häuslichen Anforderungen mit seiner Zeit konkurrierten.

1910 besuchte der Designer und Illustrator Alfred Kubin sein Atelier, ermutigte ihn und wurde einer seiner bedeutendsten Sammler. Später in diesem Jahr stellte Klee 55 Zeichnungen, Aquarelle und Radierungen in drei verschiedenen Städten der Schweiz aus und hatte 1911 seine erste Einzelausstellung in München.

1912 nahm Klee an der zweiten  Ausstellung Blue Rider (Der Blaue Reider) in der Goltz-Galerie in München teil, die sich der grafischen Arbeit widmete. Weitere Teilnehmer waren Wassili Kandinsky. Georges Braque, Andre Dérain und Pablo Picasso. die er später bei einem Besuch in Paris kennenlernte. Kandinsky wurde ein enger Freund.

Klee und Klumpf lebten bis 1920 in München, bis auf Klees Abwesenheit während dreijähriger Militärdienstzeit.

1920 wurde Klee an die Fakultät des Bauhauses unter Walter Gropius berufen. wo er ein Jahrzehnt lang unterrichtete, zunächst in Weimar bis 1925 und dann in Dessau, dem neuen Standort, der 1926 begann und bis 1930 dauerte. 1930 wurde er gefragt an der Preußischen Staatsakademie in Düsseldorf zu unterrichten, wo er von 1931 bis 1933 unterrichtete, als er entlassen wurde, nachdem die Nazis auf ihn aufmerksam geworden waren und sein Haus durchsucht hatten.

Anschließend kehrten er und seine Familie in seine Heimatstadt Bern in der Schweiz zurück, wo er seit seinem Umzug nach Deutschland jeden Sommer zwei oder drei Monate verbracht hatte.

1937 wurden 17 von Klees Gemälden als Beispiele für die Korruption der Kunst in die berüchtigte Ausstellung. Entartete Kunst“ des Nationalsozialismus aufgenommen. Viele von Klees Werken in öffentlichen Sammlungen wurden von den Nazis beschlagnahmt. Klee reagierte jedoch auf Hitlers Behandlung von Künstlern und allgemeiner Unmenschlichkeit in seiner eigenen Arbeit, oft getarnt durch scheinbar kindliche Bilder .

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Einflüsse auf seine Kunst

Klee war ehrgeizig und idealistisch, hatte aber ein zurückhaltendes und ruhiges Verhalten. Er glaubte an eine allmähliche organische Entwicklung der Ereignisse, anstatt Veränderungen zu erzwingen, und seine systematische Herangehensweise an seine Arbeit spiegelte diese methodische Herangehensweise an das Leben wider.

Klee war in erster Linie Zeichner ( übrigens Linkshänder ). Seine Zeichnungen, die manchmal sehr kindlich wirkten, waren sehr präzise und kontrolliert, ähnlich wie andere deutsche Künstler wie Albrecht Dürer .

Klee war ein begeisterter Beobachter der Natur und der natürlichen Elemente, was für ihn eine unerschöpfliche Inspirationsquelle war. Er ließ seine Schüler oft Äste, menschliche Kreislaufsysteme und Fischtanks beobachten und zeichnen, um ihre Bewegung zu untersuchen.

Erst 1914, als Klee nach Tunesien reiste, begann er, Farben zu verstehen und zu erforschen. Seine Freundschaft mit Kandinsky und den Werken des französischen Malers Robert Delaunay inspirierte ihn bei seinen Farberkundungen. Von Delaunay lernte Klee, welche Farbe rein abstrakt verwendet werden kann, unabhängig von ihrer beschreibenden Rolle.

Klee wurde auch von seinen Vorgängern wie Vincent van Gogh und seinen Kollegen – Henri Matisse. Picasso, Kandinsky, Franz Marc und anderen Mitgliedern der Blue Rider Group – beeinflusst, die glaubten, dass Kunst eher das Geistige und Metaphysische als nur das ausdrücken sollte was sichtbar und greifbar ist.

Während seines gesamten Lebens war Musik ein wichtiger Einflussfaktor, der sich im visuellen Rhythmus seiner Bilder und in den Stakkato-Noten seiner Farbakzente bemerkbar machte. Er schuf ein Gemälde, ähnlich wie ein Musiker ein Musikstück spielt, als ob er Musik sichtbar oder visuelle Kunst hörbar machen würde.

Abstract Trio, 1923, von Paul Klee, Aquarell und Tusche auf Papier.  Kunst / Corbis Historisch / Getty Images

 

Berühmte Zitate

  • „Kunst reproduziert das Sichtbare nicht, sondern macht es sichtbar.“
  • „Eine Zeichnung ist einfach eine Linie, die spazieren geht.“
  • „Farbe besitzt mich. Ich muss sie nicht verfolgen. Sie wird mich immer besitzen, ich weiß es. Das ist die Bedeutung dieser Happy Hour: Farbe und ich sind eins. Ich bin Maler.“
  • „Gut zu malen bedeutet nur Folgendes: die richtigen Farben an der richtigen Stelle zu platzieren.“

 

Tod

Klee starb 1940 im Alter von 60 Jahren an einer mysteriösen Krankheit, die ihn im Alter von 35 Jahren traf und später als Sklerodermie diagnostiziert wurde. Gegen Ende seines Lebens schuf er Hunderte von Gemälden, während er sich seines bevorstehenden Todes voll bewusst war.

Klees spätere Gemälde haben aufgrund seiner Krankheit und körperlichen Einschränkungen einen anderen Stil. Diese Bilder haben dicke dunkle Linien und große Farbflächen. In einem Artikel im vierteljährlichen Journal of Dermatology heißt es: „Paradoxerweise war es Klees Krankheit, die seiner Arbeit neue Klarheit und Tiefe verlieh und viel zu seiner Entwicklung als Künstler beitrug.“

Klee ist in Bern, Schweiz begraben.

 

Vermächtnis / Auswirkung

Klee schuf in seinem Leben mehr als 9.000 Kunstwerke, bestehend aus einer persönlichen abstrakten Bildsprache aus Zeichen, Linien, Formen und Farben zu einer bestimmten Zeit in der Geschichte vor dem Hintergrund des Ersten und Zweiten Weltkriegs.

Seine automatischen Gemälde und die Verwendung von Farben inspirierten die Surrealisten, abstrakten Expressionisten, Dadaisten und Farbfeldmaler. Seine Vorträge und Essays über Farbtheorie und Kunst gehören zu den wichtigsten, die jemals geschrieben wurden, und konkurrieren sogar mit den Notizbüchern von Leonardo da Vinci.

Klee hatte einen weit verbreiteten Einfluss auf Maler, die ihm folgten, und seit seinem Tod gab es mehrere große retrospektive Ausstellungen seiner Arbeiten in Europa und Amerika, darunter eine in der  Tate Modern mit dem Titel „Paul Klee – Making Visible „, die erst 2013 stattfand. 2014.

Im Folgenden sind einige seiner Kunstwerke in chronologischer Reihenfolge aufgeführt.

 

„Wald Bau“, 1919

Waldbau, 1919, Paul Klee, Mischtechnikkreide, 27 x 25 cm. Leemage / Corbis Historische / Getty Images

In diesem abstrakten Gemälde mit dem Titel „Waldbau, Waldbau“ wird auf einen immergrünen Wald verwiesen, der mit Gitterelementen vermischt ist, die auf Mauern und Wege hinweisen. Das Gemälde mischt symbolische primitive Zeichnung mit einer gegenständlichen Verwendung von Farbe.

 

„Stilvolle Ruinen“, 1915-1920 / Formale Experimente

Stilvolle Ruinen von Paul Klee. Geoffrey Clements / Corbis Historisch / Getty Images

„Stylish Ruins“ ist eines von Klees formalen Experimenten, die zwischen 1915 und 1920 durchgeführt wurden, als er mit Worten und Bildern experimentierte.

 

„Der bayerische Don Giovanni“, 1915-1920 / Formale Experimente

Der bayerische Don Giovanni, 1919, Paul Klee. Heritage Images / Hulton Fine Art / Getty Images

In „Der bayrische Don Giovanni“ verwendete Klee Wörter im Bild selbst, die auf seine Bewunderung für Mozarts Oper Don Giovanni sowie auf bestimmte zeitgenössische Sopranistinnen und seine eigenen Liebesinteressen hinweisen. Nach der Beschreibung des Guggenheim-Museums handelt es sich um ein „verschleiertes Selbstporträt“.

 

„Kamel in einer rhythmischen Landschaft der Bäume“, 1920

Kamel in einer rhythmischen Baumlandschaft, 1920, von Paul Klee. Heritage Images / Hulton Fine Art / Getty Images

„Kamel in einer rhythmischen Landschaft der Bäume“ ist eines der ersten Gemälde, die Klee in Öl gemalt hat, und zeigt sein Interesse an Farbtheorie, Zeichnungskunst und Musik. Es ist eine abstrakte Komposition aus mehrfarbigen Reihen mit Kreisen und Linien, die Bäume darstellen, erinnert aber auch an Noten eines Stabes, was darauf hindeutet, dass ein Kamel durch eine Partitur geht.

Dieses Gemälde gehört zu einer Reihe ähnlicher Gemälde, die Klee während seiner Arbeit und Lehre am Bauhaus in Weimar gemalt hat.

 

„Abstract Trio“, 1923

Abstract Trio, 1923, von Paul Klee, Aquarell und Tusche auf Papier. Kunst / Corbis Historisch / Getty Images

Klee kopierte eine kleinere Bleistiftzeichnung namens „Theater der Masken“, als er das Gemälde “ Abstraktes Trio. schuf . Dieses Gemälde schlägt jedoch drei Musiker, Musikinstrumente oder deren abstrakte Klangmuster vor, und der Titel spielt auf Musik an, ebenso wie die Titel einiger seiner anderen Gemälde.

Klee selbst war ein versierter Geiger und übte die Geige jeden Tag eine Stunde lang, bevor er malte.

 

„Northern Village“, 1923

Northern Village, 1923, von Paul Klee, Aquarell auf Kreidegrundierung auf Papier, 28,5 x 37,1 cm. Leemage / Hulton Fine Art / Getty Images

„Northern Village“ ist eines der vielen Gemälde, die Klee geschaffen hat und die seine Verwendung des Gitters als abstrakte Methode zur Organisation von Farbbeziehungen demonstrieren.

 

„Ad Parnassum“, 1932

Ad Parnassum, 1932, von Paul Klee. Alinari Archiv / Corbis Historisch / Getty Images

Ad Parnassum. wurde von Klees Reise nach Ägypten in den Jahren 1928-1929 inspiriert und  wird von vielen als eines seiner Meisterwerke angesehen. Es ist ein mosaikartiges Stück im pointillistischen Stil, das Klee um 1930 zu verwenden begann. Es ist auch eines seiner größten Gemälde mit 39 x 50 Zoll. In diesem Gemälde schuf Klee die Wirkung einer Pyramide aus der Wiederholung einzelner Punkte, Linien und Verschiebungen. Es ist ein komplexes, vielschichtiges Werk, bei dem Tonverschiebungen in den kleinen Quadraten die Wirkung von Licht erzeugen.

 

„Zwei betonte Gebiete“, 1932

Zwei betonte Gebiete, 1932, von Paul Klee. Francis G. Mayer / Corbis Historisch / Getty Images

„Two Emphasized Areas“ ist ein weiteres komplexes, vielschichtiges pointillistisches Gemälde von Klee.

 

„Insula Dulcamara“, 1938

Insula Dulcamara, 1938, Öl auf Zeitungspapier, von Paul Klee. VCG Wilson / Corbis Historische / Getty Images

Insula Dulcamara. ist eines von Klees Meisterwerken. Die Farben geben ihm ein fröhliches Gefühl und einige schlugen vor, es „Calypso’s Island“ zu nennen, was Klee ablehnte. Wie Klees andere spätere Gemälde besteht dieses Gemälde aus breiten schwarzen Linien, die Küsten darstellen, der Kopf ist ein Idol, und andere geschwungene Linien deuten auf eine Art bevorstehenden Untergang hin. Am Horizont fährt ein Boot vorbei. Das Gemälde spielt auf die griechische Mythologie und den Lauf der Zeit an.

 

Laune Im Februar 1938

Laune im Februar 1938 von Paul Klee. Barney Burstein / Corbis Historische / Getty Images

„Caprice in February“ ist eine weitere spätere Arbeit, die die Verwendung schwererer Linien und geometrischer Formen mit größeren Farbflächen zeigt. In dieser Phase seines Lebens und seiner Karriere variierte er seine Farbpalette je nach Stimmung, manchmal mit helleren Farben, manchmal mit düstereren Farben.

Ressourcen und weiterführende Literatur

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