Bildende Kunst

Wichtige Künstlerinnen der surrealistischen Bewegung

Die surrealistische Gruppe wurde 1924 vom Schriftsteller und Dichter André Breton gegründet und bestand aus Künstlern, die Breton handverlesen hatte. Die Ideen der Bewegung, die sich darauf konzentrierten, das Unterbewusstsein durch Übungen wie das automatische Zeichnen zu entlarven, waren jedoch nicht auf die wenigen Auserwählten beschränkt, die Breton launisch bevorzugte oder mied. Sein Einfluss war weltweit und fand seine stärksten Außenposten in Mexiko, den Vereinigten Staaten, Europa und Nordafrika.

Aufgrund des Rufs des Surrealismus als männliche Disziplin werden Künstlerinnen oft aus seiner Geschichte herausgeschrieben. Die Arbeit dieser fünf Künstlerinnen stellt jedoch die traditionelle Erzählung über den Fokus des Surrealismus auf die Objektivierung des weiblichen Körpers auf den Kopf, und ihre Teilnahme an der Bewegung ist ein Beweis dafür, dass das surrealistische Ethos expansiver war, als es die Kunstgeschichte bisher angenommen hat.

 

Leonor Fini

Leonor Fini wurde 1907 in Argentinien geboren, verbrachte ihre Jugend jedoch in Triest, Italien, nachdem ihre Mutter aus einer unglücklichen Ehe mit Finis Vater geflohen war. Als Erwachsener lernte Fini die surrealistische Gruppe in Paris kennen und freundete sich mit Persönlichkeiten wie Max Ernst und Dorothea Tanning an. Ihre Arbeiten wurden 1937 in der wegweisenden Ausstellung „Fantastic Art, Dada and Surrealism“ des MoMA ausgestellt.

Fini war von der Idee der Androgyne angetan, mit der sie sich identifizierte. Ihr Lebensstil entsprach ihrem unkonventionellen Umgang mit dem Geschlecht, da sie über vierzig Jahre lang mit zwei Männern in einer Menage-à-trois lebte. Sie verbrachte den Sommer in einem heruntergekommenen Schloss auf Korsika, wo sie aufwändige Kostümpartys gab, für die ihre Gäste monatelang planen würden.

Leonor Fini mit einem ihrer Gemälde. Francis Apesteguy / Getty Images

Finis Arbeit zeigte oft weibliche Protagonistinnen in dominanten Positionen. Sie illustrierte erotische Fiktion und entwarf Kostüme für die Theaterstücke ihrer Freunde. Sie entwarf auch ihre eigenen Kostüme für gesellschaftliche Veranstaltungen. Ihr oft übertriebenes Selbstbild wurde von einigen der bekanntesten Fotografen der Epoche fotografiert, darunter Carl van Vechten.

Der vielleicht größte kommerzielle Erfolg von Fini bestand darin, die Parfümflasche für Elsa Schiaparellis Parfüm „Shocking“ zu entwerfen. Die Flasche sah aus wie der nackte Oberkörper einer Frau; Das Design wird seit Jahrzehnten nachgeahmt.

 

Dorothea Bräunen

Dorothea Tanning wurde 1911 geboren und wuchs in Galesburg, Illinois, als Tochter schwedischer Einwanderer auf. Von einer strengen Kindheit erstickt, entkam der junge Tanning der Literatur und lernte die Welt der europäischen Künste und Briefe durch Bücher kennen.

Zuversichtlich, dass sie dazu bestimmt war, Künstlerin zu werden, verließ Tanning das Art Institute of Chicago, um in New York zu leben. MoMAs „Fantastic Art, Dada and Surrealism“ von 1937 festigte ihr Engagement für den Surrealismus. Erst Jahre später kam sie einigen ihrer Schlüsselfiguren nahe, als viele nach New York zogen, um der wachsenden Feindseligkeit in Europa aufgrund des Zweiten Weltkriegs zu entkommen.

Porträt von Dorothea Tanning, 1955.  Michael Ochs Archiv / Getty Images

Als Max Ernst im Auftrag der Galerie „Art of this Century“ seiner Frau Peggy Guggenheim das Studio von Tanning besuchte, lernte er Tanning kennen und war von ihrer Arbeit beeindruckt. Sie wurden schnelle Freunde und heirateten schließlich 1946, nachdem Ernst sich von Guggenheim scheiden ließ. Das Paar zog nach Sedona, Arizona und lebte unter einer Gruppe von Surrealisten.

Die Produktion von Tanning war unterschiedlich, da ihre Karriere etwa achtzig Jahre dauerte. Obwohl sie vielleicht am besten für ihre Gemälde bekannt ist, wandte sich Tanning auch Kostümdesign, Skulptur, Prosa und Poesie zu. Sie verfügt über ein großes Werk, das aus plüschigen humanoiden Skulpturen besteht, die sie in den 1970er Jahren in Installationen verwendet hat. Sie starb 2012 im Alter von 101 Jahren.

 

Leonora Carrington

Leonora Carrington wurde 1917 in Großbritannien geboren. Sie besuchte kurz die Chelsea School of Art und wechselte dann an die Londoner Ozenfant Academy of Fine Arts. Sie lernte Max Ernst Anfang zwanzig kennen und zog bald mit ihm nach Südfrankreich. Ernst wurde von den französischen Behörden als „feindlicher Ausländer“ und später von den Nazis wegen „entarteter“ Kunst verhaftet. Carrington erlitt einen Nervenzusammenbruch und wurde in eine Anstalt in Spanien eingeliefert.

Ihre einzige Fluchtmöglichkeit war die Heirat. Sie heiratete einen mexikanischen Diplomaten und ging in die USA, wo sie mit vielen Surrealisten im Exil in New York wiedervereinigt wurde. Sie zog bald nach Mexiko, wo sie zur Gründung der Frauenbefreiungsbewegung beitrug und schließlich den Rest ihres Lebens verbrachte.

Carringtons Arbeit konzentriert sich auf Symbole der Mystik und Zauberei und beschäftigt sich häufig mit bedeutenden wiederkehrenden Bildern. Carrington schrieb auch Belletristik, darunter The Hearing Trumpet (1976), für die sie am bekanntesten ist.

Skulptur von Leonora Carrington in Mexiko-Stadt.  

 

Meret Oppenheim

Die Schweizer Künstlerin Meret Oppenheim wurde 1913 in Berlin geboren. Bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs zog ihre Familie in die Schweiz, wo sie Kunst studierte, bevor sie nach Paris zog. In Paris lernte sie den surrealistischen Kreis kennen. Sie kannte André Breton, war kurz romantisch mit Max Ernst verbunden und modellierte für Man Rays Fotografien.

Oppenheim war am bekanntesten für ihre Assemblage-Skulptur, die unterschiedliche Fundstücke zusammenbrachte, um einen Punkt zu verdeutlichen. Sie ist am bekanntesten für ihren Déjeuner en Fourrure, auch Objet genannt , eine mit Pelz ausgekleidete Teetasse, die im MoMA in „Fantastic Art, Dada and Surrealism“ ausgestellt wurde und angeblich die erste Erweiterung der Sammlung des Museum of Modern Art durch a war Frau. Objet wurde zu einer Ikone der surrealistischen Bewegung, und obwohl es für Oppenheims Ruhm verantwortlich ist, hat sein Erfolg oft ihre anderen umfangreichen Arbeiten überschattet, zu denen Malerei, Skulptur und Schmuck gehören.

Obwohl sie durch den frühen Erfolg von Objet verkrüppelt war , begann Oppenheim nach einigen Jahrzehnten in den 1950er Jahren wieder zu arbeiten. Ihre Arbeit war Gegenstand zahlreicher Retrospektiven auf der ganzen Welt. Oppenheims Arbeit befasst sich häufig mit Themen der weiblichen Sexualität und bleibt ein wichtiger Prüfstein für das Verständnis des Surrealismus als Ganzes.

 

Dora Maar

Dora Maar war eine französische surrealistische Fotografin. Sie ist vielleicht am berühmtesten für ihr Foto Père Ubu. eine Nahaufnahme eines Gürteltiers, das nach seiner Ausstellung auf der Internationalen Surrealistischen Ausstellung in London zu einer Ikone des Surrealismus wurde.

Maars Karriere wurde von ihrer Beziehung zu Pablo Picasso überschattet, der sie als Muse und Vorbild für viele seiner Gemälde verwendete (insbesondere für seine Serie „Weeping Woman“). Picasso überzeugte Maar, ihr Fotostudio zu schließen, was ihre Karriere effektiv beendete, da sie ihren früheren Ruf nicht wiederbeleben konnte. Eine bedeutende Retrospektive von Maars Arbeiten wird jedoch im Herbst 2019 in der Tate Modern eröffnet.

Fotografien von Dora Maar von ihrem Geliebten Pablo Picasso.  Getty Images

 

Quellen

  • Alexandrian S.  Surrealistische Kunst . London: Thames & Hudson; 2007.
  • Blumberg N. Meret Oppenheim. Enzyklopädie Britannica. https://www.britannica.com/biography/Meret-Oppenheim.
  • Crawford A. Ein Rückblick auf die Künstlerin Dora Maar. Smithsonian. https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/pro_art_article-180968395/. Veröffentlicht 2018.
  • Leonora Carrington: Nationales Museum der Frauen in den Künsten. Nmwa.org. https://nmwa.org/explore/artist-profiles/leonora-carrington.
  • Meret Oppenheim: Nationales Museum der Frauen in den Künsten. Nmwa.org. https://nmwa.org/explore/artist-profiles/meret-oppenheim.

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