Bildende Kunst

Die Definition der Form in der Kunst

Der Begriff Form kann in der Kunst verschiedene Bedeutungen haben. Form ist eines der sieben Elemente der Kunst und bezeichnet ein dreidimensionales Objekt im Raum. Eine  formale Analyse eines Kunstwerks beschreibt, wie die Elemente und Prinzipien von Kunstwerken unabhängig von ihrer Bedeutung und den Gefühlen oder Gedanken, die sie beim Betrachter hervorrufen können, zusammenwirken. Schließlich wird  Form auch verwendet, um die physische Natur des Kunstwerks zu beschreiben, wie in der Metallskulptur, einem Ölgemälde usw.

In Verbindung mit dem Wort Kunst wie in der Kunstform kann es auch ein Medium des künstlerischen Ausdrucks bedeuten, das als bildende Kunst anerkannt wird, oder ein unkonventionelles Medium, das so gut, geschickt oder kreativ gemacht wird, dass es auf das Niveau der bildenden Kunst erhoben wird.

 

Ein Element der Kunst

Form ist eines der sieben Elemente der Kunst, die die visuellen Werkzeuge sind, mit denen ein Künstler ein Kunstwerk komponiert. Zum Formen umfassen sie außerdem Linie, Form. Wert, Farbe, Textur und Raum. Als Element der Kunst bedeutet Form etwas, das dreidimensional ist und Volumen einschließt, mit Länge, Breite und Höhe gegenüber Form , die zweidimensional oder flach ist. Eine Form ist eine dreidimensionale Form und kann wie Formen geometrisch oder organisch sein.

Geometrische Formen sind Formen, die mathematisch und präzise sind und wie in den geometrischen Grundformen benannt werden können: Kugel, Würfel, Pyramide, Kegel und Zylinder. Ein Kreis wird zu einer dreidimensionalen Kugel, ein Quadrat zu einem Würfel, ein Dreieck zu einer Pyramide oder einem Kegel.

Geometrische Formen finden sich am häufigsten in der Architektur und in der gebauten Umwelt, obwohl Sie sie auch in den Sphären von Planeten und Blasen und beispielsweise im Kristallmuster von Schneeflocken finden können.

Organische Formen sind solche, die frei fließen, kurvig und sehnig sind und nicht symmetrisch oder leicht messbar oder benannt sind. Sie kommen am häufigsten in der Natur vor, wie in Form von Blumen, Zweigen, Blättern, Pfützen, Wolken, Tieren, der menschlichen Figur usw., finden sich aber auch in den kühnen und phantasievollen Gebäuden des spanischen Architekten Antoni Gaudi (1852) bis 1926) sowie in vielen Skulpturen.

 

Form in der Skulptur

Form ist am engsten mit Skulptur verbunden, da es sich um eine dreidimensionale Kunst handelt, die traditionell fast hauptsächlich aus Form besteht, wobei Farbe und Textur untergeordnet sind. Dreidimensionale Formen können von mehr als einer Seite gesehen werden. Traditionell können Formen von allen Seiten betrachtet werden, die als Skulptur in der Runde oder als Relief bezeichnet werden , bei denen die skulpturalen Elemente auf einem festen Hintergrund befestigt bleiben, einschließlich Basrelief , Hautrelief und versunkenem Relief . Historisch gesehen wurden Skulpturen in der Gestalt eines Menschen angefertigt, um einen Helden oder Gott zu ehren.

Das 20. Jahrhundert erweiterte jedoch die Bedeutung der Skulptur und kündigte das Konzept offener und geschlossener Formen an, und die Bedeutung wächst bis heute weiter. Skulpturen sind nicht mehr nur gegenständliche, statische, Schreibwarenformen mit einer festen undurchsichtigen Masse, die aus Stein geschnitzt oder aus Bronze modelliert wurde. Die heutige Skulptur kann abstrakt sein, aus verschiedenen Objekten zusammengesetzt, kinetisch sein, sich mit der Zeit ändern oder aus unkonventionellen Materialien wie Licht oder Hologrammen bestehen, wie in der Arbeit des bekannten Künstlers James Turrell .

Skulpturen können relativ als geschlossene oder offene Formen charakterisiert werden. Eine geschlossene Form hat ein ähnliches Gefühl wie die traditionelle Form einer festen undurchsichtigen Masse. Selbst wenn Räume innerhalb der Form existieren, sind sie enthalten und begrenzt. Eine geschlossene Form hat einen nach innen gerichteten Fokus auf die Form selbst, die vom Umgebungsraum isoliert ist. Eine offene Form ist transparent, zeigt ihre Struktur und hat daher eine flüssigere und dynamischere Beziehung zum Umgebungsraum. Der negative Raum ist ein Hauptbestandteil und eine aktivierende Kraft einer Skulptur in offener Form. Pablo Picasso (1881 bis 1973), Alexander Calder (1898 bis 1976) und Julio Gonzalez (1876 bis 1942) sind einige Künstler, die Skulpturen in offener Form aus Draht und anderen Materialien schufen.

Henry Moore (1898 bis 1986), der große englische Künstler, der zusammen mit seiner Zeitgenossen Barbara Hepworth (1903 bis 1975) die beiden wichtigsten britischen Bildhauer der modernen Kunst war, revolutionierte die Skulptur, indem er als erster die Form von durchdrang ihre biomorphen (bio=Leben, morph=Form) Skulpturen. Sie tat dies 1931, und er tat es 1932, wobei er feststellte, dass „sogar der Raum Form haben kann“ und dass „ein Loch so viel Formbedeutung haben kann wie eine feste Masse“.

 

Form in Zeichnen und Malen

Beim Zeichnen und Malen wird die Illusion einer dreidimensionalen Form durch die Verwendung von Licht und Schatten sowie durch die Wiedergabe von Wert und Ton vermittelt. Form wird durch die äußere Kontur eines Objekts definiert. So nehmen wir es zuerst wahr und beginnen, es zu verstehen. Licht, Wert und Schatten helfen jedoch, einem Objekt Form und Kontext im Raum zu geben, damit wir es vollständig identifizieren können .

Wenn Sie beispielsweise eine einzelne Lichtquelle auf einer Kugel annehmen, ist die Hervorhebung die Stelle, an der die Lichtquelle direkt trifft. Der Mittelton ist der Mittelwert auf der Kugel, auf die das Licht nicht direkt trifft. Der Kernschatten ist der Bereich auf der Kugel, auf den das Licht überhaupt nicht trifft, und ist der dunkelste Teil der Kugel. Der Schattenwurf ist der Bereich auf den umgebenden Oberflächen, der vom Objekt vor dem Licht geschützt wird. reflektiertes Highlight ist Licht, das von den umgebenden Objekten und Oberflächen wieder auf das Objekt reflektiert wird. Unter Berücksichtigung dieser Richtlinien in Bezug auf Licht und Schattierung kann jede einfache Form gezeichnet oder gemalt werden, um die Illusion einer dreidimensionalen Form zu erzeugen.

Je größer der Wertkontrast ist, desto ausgeprägter wird die dreidimensionale Form. Formen, die mit geringen Wertschwankungen gerendert werden, erscheinen flacher als solche, die mit größeren Schwankungen und Kontrasten gerendert werden.

Historisch gesehen hat sich die Malerei von einer flachen Darstellung von Form und Raum zu einer dreidimensionalen Darstellung von Form und Raum zu einer Abstraktion entwickelt. Die ägyptische Malerei war flach, die menschliche Form frontal dargestellt, Kopf und Füße jedoch im Profil. Die realistische Illusion der Form trat erst in der Renaissance zusammen mit der Entdeckung der Perspektive auf. Barockkünstler wie Caravaggio (1571 bis 1610) erforschten die Natur des Raumes, des Lichts und die dreidimensionale Erfahrung des Raumes durch die Verwendung von Helldunkel, dem starken Kontrast zwischen Hell und Dunkel. Die Darstellung der menschlichen Form wurde viel dynamischer, wobei Helldunkel und Verkürzung den Formen ein Gefühl von Solidität und Gewicht verliehen und ein starkes Gefühl von Drama erzeugten. Die Moderne befreite Künstler, abstrakter mit der Form zu spielen. Künstler wie Picasso haben mit der Erfindung des Kubismus die Form aufgelöst, um Bewegung durch Raum und Zeit zu implizieren.

 

Ein Kunstwerk analysieren

Bei der Analyse eines Kunstwerks unterscheidet sich eine formale Analyse von der ihres Inhalts oder Kontexts. Eine formale Analyse bedeutet, die Elemente und Prinzipien der Kunst anzuwenden, um die Arbeit visuell zu analysieren. Die formale Analyse kann kompositorische Entscheidungen aufdecken, die dazu beitragen, den Inhalt, das Wesen, die Bedeutung und die Absicht des Künstlers zu stärken und Hinweise auf den historischen Kontext zu geben.

Zum Beispiel die Gefühle des Mysteriums, der Ehrfurcht und der Transzendenz, die von einigen der beständigsten Meisterwerke der Renaissance hervorgerufen werden. wie der Mona Lisa (Leonardo da Vinci, 1517), der Erschaffung Adams (Michelangelo, 1512), dem letzten Abendmahl (Leonardo da Vinci, 1498) unterscheiden sich von den formalen kompositorischen Elementen und Prinzipien wie Linie, Farbe, Raum, Form, Kontrast, Betonung usw., die der Künstler zur Erstellung des Gemäldes verwendet hat und die zu seiner Bedeutung, Wirkung und Wirkung beitragen zeitlose Qualität.

 

Ressourcen und weiterführende Literatur

 

Ressourcen für Lehrer

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