Literatur

Die umstrittensten Stücke des 20. Jahrhunderts

Das Theater ist ein perfekter Ort für soziale Kommentare und viele Dramatiker haben ihre Position genutzt, um ihre Überzeugungen zu verschiedenen Themen zu teilen, die ihre Zeit betreffen. Sehr oft überschreiten sie die Grenzen dessen, was die Öffentlichkeit für akzeptabel hält, und ein Stück kann schnell sehr kontrovers werden.

Die Jahre des 20. Jahrhunderts waren voller sozialer, politischer und wirtschaftlicher Kontroversen, und eine Reihe von Stücken, die in den 1900er Jahren geschrieben wurden, befassten sich mit diesen Themen.

 

Wie Kontroversen auf der Bühne Gestalt annehmen

Die Kontroverse einer älteren Generation ist der banale Standard der nächsten Generation. Die Feuer der Kontroversen verblassen oft im Laufe der Zeit.

Wenn wir uns zum Beispiel Ibsens “ A Doll’s House. ansehen, können wir sehen, warum es im späten 19. Jahrhundert so provokativ war. Wenn wir jedoch „A Doll’s House“ im heutigen Amerika spielen würden, wären nicht zu viele Menschen schockiert über den Abschluss des Stücks. Wir könnten gähnen, als Nora beschließt, ihren Mann und ihre Familie zu verlassen. Wir könnten uns selbst nicken und denken: „Ja, es gibt noch eine Scheidung, noch eine kaputte Familie. Große Sache.“

Weil das Theater die Grenzen überschreitet, ruft es oft hitzige Gespräche hervor, sogar öffentliche Empörung. Manchmal führt die Wirkung der literarischen Arbeit zu einem gesellschaftlichen Wandel. In diesem Sinne werfen wir einen kurzen Blick auf die umstrittensten Stücke des 20. Jahrhunderts.

 

„Das Erwachen des Frühlings“

Diese ätzende Kritik von Frank Wedekind ist eine der Heuchelei, und der fehlerhafte Sinn für Moral der Gesellschaft setzt sich für die Rechte der Jugendlichen ein.

Es wurde Ende des 19. Jahrhunderts in Deutschland geschrieben und erst 1906 aufgeführt. Spring’s Awakening“ trägt den Untertitel „A Children’s Tragedy . In den letzten Jahren wurde Wedekinds Stück (das in seiner Geschichte viele Male verboten und zensiert wurde) aus gutem Grund in ein von der Kritik gefeiertes Musical umgewandelt.

  • Die Handlung ist gesättigt mit dunkler, brütender Satire, jugendlicher Angst, blühender Sexualität und Geschichten über verlorene Unschuld.
  • Die Hauptfiguren sind jugendlich, sympathisch und naiv. Im Gegensatz dazu sind die erwachsenen Charaktere hartnäckig, unwissend und in ihrer Schwielenhaftigkeit fast unmenschlich.
  • Wenn die sogenannten „moralischen“ Erwachsenen aus Scham statt aus Mitgefühl und Offenheit regieren, zahlen die jugendlichen Charaktere einen hohen Tribut.

Viele Theater und Kritiker hielten “ Spring’s Awakening “ jahrzehntelang für pervers und ungeeignet für das Publikum und zeigten, wie genau Wedekind die Werte der Jahrhundertwende kritisierte.

 

„Der Kaiser Jones“

Obwohl es von Eugene O’Neill im Allgemeinen nicht als das beste Stück angesehen wird, ist „The Emperor Jones“ vielleicht sein umstrittenstes und innovativstes Stück.

Warum? Zum Teil wegen seiner viszeralen und gewalttätigen Natur. Zum Teil wegen seiner postkolonialistischen Kritik. Aber hauptsächlich, weil es die afrikanische und afroamerikanische Kultur in einer Zeit, in der offen rassistische Minnesängershows noch als akzeptable Unterhaltung galten, nicht an den Rand gedrängt hat.

Das Stück wurde ursprünglich in den frühen 1920er Jahren aufgeführt und beschreibt den Aufstieg und Fall von Brutus Jones, einem afroamerikanischen Eisenbahnarbeiter, der zum Dieb, Mörder, entkommenen Sträfling und nach seiner Reise nach Westindien zum selbsternannten Herrscher von wird eine Insel. Obwohl Jones ‚Charakter bösartig und verzweifelt ist, wurde sein korruptes Wertesystem durch Beobachtung weißer Amerikaner der Oberschicht abgeleitet. Während die Inselbewohner gegen Jones rebellieren, wird er ein gejagter Mann – und erfährt eine ursprüngliche Transformation.

Der Dramakritiker Ruby Cohn schreibt:

„The Emperor Jones“ ist sofort ein packendes Drama über einen unterdrückten amerikanischen Schwarzen, eine moderne Tragödie über einen Helden mit einem Fehler, ein expressionistisches Questspiel, das die rassischen Wurzeln des Protagonisten untersucht. Vor allem ist es theatralischer als seine europäischen Analoga, beschleunigt den Tom-Tom allmählich vom normalen Pulsrhythmus, zieht dem nackten Mann darunter ein farbenfrohes Kostüm aus und ordnet den Dialog der innovativen Beleuchtung unter, um ein Individuum und sein rassisches Erbe zu beleuchten .

O’Neill war ebenso wie ein Dramatiker ein Sozialkritiker, der Unwissenheit und Vorurteile verabscheute. Während das Stück den Kolonialismus dämonisiert, weist die Hauptfigur viele unmoralische Eigenschaften auf. Jones ist keineswegs ein Vorbildcharakter.

Afroamerikanische Dramatiker wie Langston Hughes und später Lorraine Hansberry schufen Stücke, die den Mut und das Mitgefühl der schwarzen Amerikaner zelebrierten. Dies ist etwas, was in O’Neills Werk nicht zu sehen ist, das sich auf das turbulente Leben von Schwarz und Weiß konzentriert.

Letztendlich lässt die teuflische Natur des Protagonisten das moderne Publikum fragen, ob „The Emperor Jones“ mehr Schaden als Nutzen angerichtet hat oder nicht.

 

„Die Kinderstunde“

Lillian Hellmans Drama von 1934 über das zerstörerische Gerücht eines kleinen Mädchens berührt das, was einst ein unglaublich tabuisiertes Thema war: Lesbianismus. Aufgrund seines Themas wurde „The Children’s Hour“ in Chicago, Boston und sogar London verboten.

Das Stück erzählt die Geschichte von Karen und Martha, zwei engen (und sehr platonischen) Freunden und Kollegen. Gemeinsam haben sie eine erfolgreiche Schule für Mädchen gegründet. Eines Tages behauptet eine brutale Schülerin, sie habe gesehen, wie die beiden Lehrer romantisch miteinander verwoben waren. In einem Hexenjagd-Wahnsinn kommen Anschuldigungen auf, es werden mehr Lügen erzählt, Eltern geraten in Panik und unschuldige Leben werden ruiniert.

Das tragischste Ereignis ereignet sich während des Höhepunkts des Stücks. Entweder in einem Moment erschöpfter Verwirrung oder stressbedingter Erleuchtung gesteht Martha ihre romantischen Gefühle für Karen. Karen versucht zu erklären, dass Martha einfach müde ist und sich ausruhen muss. Stattdessen betritt Martha den nächsten Raum (außerhalb der Bühne) und erschießt sich. Letztendlich wurde die von der Gemeinde ausgelöste Schande zu groß, Marthas Gefühle zu schwer zu akzeptieren und endeten mit einem unnötigen Selbstmord.

Obwohl Hellmans Drama nach heutigen Maßstäben vielleicht zahm ist, ebnete es den Weg für eine offenere Diskussion über soziale und sexuelle Sitten und führte letztendlich zu moderneren (und ebenso kontroversen) Stücken wie:

  • „Engel in Amerika“
  • „Fackellied-Trilogie“
  • „Gebogen“
  • „Das Laramie-Projekt“

Angesichts der zahlreichen Selbstmorde in jüngster Zeit aufgrund von Gerüchten, Mobbing in der Schule und Hassverbrechen gegen junge Schwule und Lesben hat „The Children’s Hour“ eine neu entdeckte Relevanz erhalten.

 

Mutter Mut und ihre Kinder“

Mother Courage wurde Ende der 1930er Jahre von Bertolt Brecht geschrieben und ist eine stilistische, aber grimmig verstörende Darstellung der Schrecken des Krieges.

Die Titelfigur ist eine listige Protagonistin, die glaubt, vom Krieg profitieren zu können. Während der Krieg zwölf Jahre lang tobt, sieht sie stattdessen den Tod ihrer Kinder, deren Leben durch die gipfelnde Gewalt besiegt wurde.

In einer besonders grausigen Szene beobachtet Mutter Courage, wie der Körper ihres kürzlich hingerichteten Sohnes in eine Grube geworfen wird. Sie erkennt ihn jedoch nicht an, weil sie befürchtet, als Mutter des Feindes identifiziert zu werden.

Obwohl das Stück im 17. Jahrhundert spielt, fand das Antikriegsgefühl bei seinem Debüt 1939 – und darüber hinaus – großen Anklang beim Publikum. Im Laufe der Jahrzehnte haben sich Wissenschaftler und Theaterregisseure während Konflikten wie dem Vietnamkrieg und den Kriegen im Irak  und in Afghanistan an „Mutter Mut und ihre Kinder“ gewandt, um das Publikum an die Schrecken des Krieges zu erinnern.

Lynn Nottage war so bewegt von Brechts Arbeit, dass sie in den vom Krieg heimgesuchten Kongo reiste, um ihr intensives Drama “ Ruined. zu schreiben . Obwohl ihre Figuren viel mehr Mitgefühl zeigen als Mutter Mut, können wir die Keime von Nottages Inspiration sehen.

 

„Nashorn“

Das vielleicht perfekte Beispiel für das Theater des Absurden, „Rhinoceros“, basiert auf einem äußerst seltsamen Konzept: Menschen verwandeln sich in Nashörner.

Nein, es ist kein Stück über die Animorphs und es ist keine Science-Fiction-Fantasie über Wer-Nashörner (obwohl das großartig wäre). Stattdessen warnt Eugene Ionescos Spiel vor Konformität. Viele sehen die Transformation vom Menschen zum Nashorn als Symbol des Konformismus. Das Stück wird oft als Warnung vor dem Aufstieg tödlicher politischer Kräfte wie Stalinismus und Faschismus gesehen .

Viele glauben, dass Diktatoren wie Stalin und Hitler die Bürger einer Gehirnwäsche unterzogen haben müssen, als ob die Bevölkerung irgendwie dazu verleitet worden wäre, ein unmoralisches Regime zu akzeptieren. Im Gegensatz zur landläufigen Meinung zeigt Ionesco jedoch, wie manche Menschen, die sich für den Zug der Konformität interessieren, eine bewusste Entscheidung treffen, ihre Individualität, sogar ihre Menschlichkeit, aufzugeben und den Kräften der Gesellschaft zu erliegen.

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